Le mystère du style dans l’art

Tout comme Vermeer, El Greco et Rafael, immédiatement reconnaissables, les artistes célèbres de l'histoire sont connus pour leur style créatif particulier. Alors comment un artiste arrive-t-il à son style ?

Le style est-il trouvé, créé ou cultivé ? Le style est-il la même chose qu’une voix ou un point de vue ? Ou un style est-il inévitable comme une empreinte digitale ou une signature qui exprime naturellement notre singularité ?

Canvas explore ces idées et interroge certains artistes et leaders d’opinions de la New Master’s Academy sur la manière dont ils définissent le “style” et les processus ou influences qui les mènent à cet endroit. Nous leur avons posé la même question :

Qu’est-ce que le style dans l’ art, et est-il même préférable ou important d’avoir un style ?

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Steve Huston enseignant à la New Master’s Academy :

“Notre travail est d’avoir un point de vue. Trouver notre voix et notre style vient de cette question centrale :“Qu’est-ce qui vous intéresse ?” Car l’art vous pousse à “regarder cela”. ,À quoi ? Et pourquoi ? Je vois le vrai style comme l’expression naturelle et nécessaire d’une vision du monde très particulière. Sargent considérait ses modèles comme une nouvelle royauté. Ainsi il peignait comme on peindrait les dieux grecs. Même de petites dames âgées sont devenues Héra, reine de l’univers. Comment un artiste développe-t-il un style, et ou un point de vue ?

"Par pollinisation croisée. Vous regardez toutes les choses que vous n'êtes pas, toutes les disciplines que vous ne maîtrisez pas. Vous cherchez, comme l'a suggéré T.S. Eliot, à rassembler beaucoup de fragments, puis vous commencez à les assembler.

"Un artiste doit être un poète visuel, utilisant des paramètres différents de ceux de nos cousins littéraires. L'art ne travaille pas sur le plan intellectuel mais sur les émotions. Il doit être suffisamment ouvert pour permettre au spectateur de participer à la signification de

"Une métaphore est un mensonge - mais un mensonge qui dit une vérité. Dieu comme un roc est une métaphore. Mais, en comparant quelque chose que nous connaissons bien à quelque chose que nous ne connaissons pas, et peut-être même que nous ne pouvons pas connaître, nous obtenons un aperçu. Pas tellement intellectuellement, mais dans les tripes. Le meilleur art, je crois, fait cela".

Steve Huston, Sommeil, 2006

Joshua Jacobo, fondateur de la New Masters Academy met en garde :

"On dit à de nombreux artistes qu'ils doivent développer un style unique, se démarquer dans un espace compétitif. Je comprends l'idée derrière tout cela, mais cette fixation peut devenir distrayante et contre-productive pour les artistes.

"Je pense que cela a beaucoup à voir avec l'idée expressionniste selon laquelle l'artiste voit le monde différemment. Mais les artistes ne regardent pas le monde et ne voient pas des couleurs chromatiques tourbillonnantes ou des figures déformées et laides.

“Bien sûr, notre psychologie affecte la perception, mais le but de l’artiste est de créer une expérience dans l’esprit du spectateur. Ils doivent maîtriser le langage visuel. Regardez les animateurs
professionnels et vous verrez que les artistes sont capables de travailler ensemble, souvent dans de grandes équipes, dans un style partagé en fonction des exigences du spectacle. Les artistes de l’atelier Ruben, des apprentis aux brillants artistes à part entière, pouvaient travailler dans le style du maître sur un large éventail de projets.

"Il est donc clair que le style est quelque chose que nous pouvons contrôler. Mais que se passe-t-il si un directeur artistique ou notre employeur ne nous dit pas "dans quel style" nous devrions travailler ?

"Je pense que le style est lié aux priorités artistiques. Il devrait avoir tout à voir avec l'art que nous aimons nous-mêmes. Il y a des compromis dans l'art. Nous devons chacun prendre des décisions sur ce qui est le plus important ou le plus beau, et c'est cela, avec nos expériences de vie, notre personnalité et notre formation, qui constitue notre style.

"J'aime l'art des anciens Égyptiens, des Grecs et des Romains, le gothique, la Renaissance et le baroque flamand. J'ai de l'admiration pour d'autres périodes, mais certaines œuvres font partie de mon style et d'autres non, et il est difficile de dire pourquoi. Bien que la composition des peintres impressionnistes soit intéressante pour moi, je n'apporte pas ces sensibilités dans mon travail. En ce qui concerne les influences, je ne "calcule" pas ce que je devrais apporter à mon travail. J'étudie l'art qui me semble le plus approprié et il fait son chemin dans mon style. Outre les influences, je pense que le style est le résultat du processus. La façon dont vous dessinez, peignez ou sculptez détermine l'aspect de votre œuvre".

Joshua Jacobo, Tresses autrichiennes, 2019

Selon l’artiste Noah Buchanan :

"Le style trouve l'artiste, par opposition à l'inverse. Lorsque de jeunes artistes se lancent dans la création, ou plutôt dans l'élaboration, de leur style, il est certain qu'il en a l'air et qu'il n'est pas authentique. Alors je dis : "Laissez votre style vous trouver".

“Je regarde mes peintures et je pense, d’où vient cette allure et cette sensation ? Ce n’est certainement pas quelque chose que j’ai jamais essayé de faire. Si mon travail a un style, il est né en étudiant et en pratiquant la peinture, et en prêtant attention aux artistes dont le travail me passionnait..”

"A environ 16 ans, j'étais irrité de devoir constamment considérer les œuvres de Picasso et de Mondrian et de voir les œuvres de ces artistes présentées comme du grand art. Sans vouloir dire que ce n'est pas du grand art. Mais, ne connaissant pas grand-chose à l'art, ma réaction instinctive a été de vouloir autre chose que le Modernisme servi ; je n'ai pas trouvé le bonheur brut dans l'œuvre que je désirais à un niveau fondamental.

"Ma mère a ramené par hasard un livre sur Jusepe De Ribera de la bibliothèque. À peu près à la même époque, j'ai mis la main sur un exemplaire du National Geographic, qui portait sur la restauration de la Chapelle Sixtine. Ces choses ont créé une excitation viscérale pour moi. Donc, en passant par l'école d'art, j'ai laissé mon propre niveau d'excitation visuelle honnête me guider vers le travail qui m'inspirait .

À l'école d'art, mes pairs disaient : "Il faut regarder Basquiat, Warhol et Pollock". C'est là que ça se passe. Ils ont le sens profond que vous devez rechercher pour devenir un artiste mature". Mais le travail ne m'a rien apporté. Je voulais l'aimer, mais je n'y ai pas trouvé de valeur ni d'attrait. Tout cela me semblait vide.

“Je me suis investi de manière obsessionnelle dans mes cours d’anatomie. J’ai passé des nuits entières à dessiner des sculptures grecques et romaines. J’ai participé à des cours du soir de portrait, juste pour essayer d’être meilleur. J’ai trouvé l’exaltation pure et des sentiments de sacralité chez des gens comme Léonard, Michel-Ange, Durer, Caravage, Rubens, Ribera, Velazquez, Rembrandt et Vermeer. Donc, ceux-ci sont devenus les composants du travail que je désirais faire. Je ne prétends pas pouvoir toucher leurs œuvres, mais au moins ce sont les noms d’ artistes qui m’ont inspiré.

Je dis aux élèves qu'ils ont besoin d'au moins trois braises pour construire leur propre "feu", leur style ou leur voix. Je leur demande donc d'identifier trois artistes de différentes périodes qui les passionnent. Je leur demande d'imaginer la fusion de ces voix, afin de les guider vers l'œuvre qu'ils veulent réaliser. Et souvent, un style les trouve. Imaginez que quelqu'un dise : "J'aime Monet, Turner et Homer". Imaginez ce qui pourrait résulter de la fusion de ces éléments.

"Et c'est ainsi que cela s'est produit pour moi. Je me suis en quelque sorte trouvé "moi-même" en essayant d'être la somme de mes influences, non seulement dans le sujet, mais aussi dans la manière de penser la lumière et la forme, et tout particulièrement dans le maniement de la peinture.

Un de mes collègues m'a qualifié de "peintre néo-classique" et je me suis dit : "Quoi ?!? Je ne suis pas un néo-classique ! Je ne vois pas que mon travail prend les mêmes tonalités et les mêmes apparences que Jacques Louis David ou Jean-Auguste Dominque Ingres par exemple. En revanche, les dieux grecs classiques Apollon et Dionysos apparaissent dans mon travail. Je suis peut-être fier d'être "classique".

"Mais, pour envisager cette étiquette dans une perspective contemporaine plus large, je suppose que dans le sens où nous en sommes venus à considérer tout ce qui est antérieur à 1870 comme étant classique, je suppose que mon travail semble rappeler au public des méthodes de peinture et des thèmes qui se sont produits auparavant dans l'histoire.

"Je trouve que l'argument selon lequel nous ne devrions pas faire ce qui a été fait auparavant est très critiquable. Quand je pense aux nombreuses choses qui ont été faites auparavant dans la vie : respirer, manger, faire l'amour. Ce sont des piliers majeurs de notre expérience de la vie. Donc, pour moi, c'est un travail significatif que de faire des peintures dans les pratiques des anciens maîtres ; des images sur le fait d'être vivant d'une manière à laquelle l'humanité peut s'identifier ; faire réfléchir le spectateur sur son existence, sur le sens qu'elle a ou pourrait avoir, et sur l'espoir qui prévaut que notre existence puisse être une existence de beauté et d'harmonie".

Noah Buchanan, Introspection, 2009

"Un artiste ne peut pas être partiellement sincère, pas plus que l'art ne peut être une approximation de la beauté", dit le philosophe et cinéaste Andreï Tarkovski. "Il est de son devoir de révéler chaque iota de la vérité qu'il a vue, même si tout le monde ne trouve pas que la vérité est acceptable. Bien sûr, un artiste peut s'égarer, mais même ses erreurs sont intéressantes à condition qu'elles soient sincères. Car elles représentent la réalité de sa vie intérieure, des pérégrinations et des luttes dans lesquelles le monde extérieur l'a jeté".

Ce n'est donc pas l'"originalité" que nous devons rechercher, mais plutôt l'authenticité - la véracité. Lorsque nous regardons quelqu'un dans les yeux, ce n'est pas un sourire original que nous recherchons, mais plutôt une expression authentique qui provient d'un être plein de vérité et de lumière.

De même, l'art devrait susciter une expérience similaire, affirmant et élevant notre humanité, notre connexion et notre existence.

Avec un dévouement à notre métier, et au service de la vérité et de la beauté, un style authentique va certainement émerger.

Une fois, le rabbin hassidique Zusya est venu à ses disciples les larmes aux yeux. Ils lui ont demandé : "Zusya, qu'est-ce qui se passe ?" Le rabbin leur a parlé de sa vision : "J'ai appris la question que les anges me poseront un jour sur ma vie."

Les disciples étaient perplexes. "Zusya, tu es pieux. Tu es érudit et humble. Tu as aidé tant d'entre nous. Quelle question sur ta vie pourrait être si terrifiante que tu aurais peur d'y répondre ?"

Zusya a répondu ; “J’ai appris que les anges ne me demanderont pas,”Pourquoi n’as—tu pas été un Moïse, guidant le peuple hors de l’esclavage ?” Et que les anges ne me demanderont pas : "Pourquoi n'as-tu pas été un Josué, conduisant ton peuple sur la terre promise ?

Zusya a soupiré. “Ils me diront : “Zusya, pourquoi n’as-tu pas été Zusya ?”

Masha Savitz est une journaliste, auteur de Fish Eyes for Pearls, peintre, et cinéaste qui a réalisé le
documentaire inédit Red Reign.